大家好，今天来为大家分享陈丹青在一次访谈中说 “我每次看到考前班的素描，我就想死”，你怎么看的一些知识点，和陈丹青不建议报美术班的问题解析，大家要是都明白，那么可以忽略，如果不太清楚的话可以看看本篇文章，相信很大概率可以解决您的问题，接下来我们就一起来看看吧！
本文目录
- 陈丹青说“一个画家不会写生是非常危险的”，你怎么看
- 为什么当代艺术家陈丹青会认为“写生与临摹有可能被当代艺术和传统艺术轻视了”
- 陈丹青在一次访谈中说 “我每次看到考前班的素描，我就想死”，你怎么看
- 陈丹青先生说中国当代艺术全是骗人的，您怎么看
陈丹青说“一个画家不会写生是非常危险的”，你怎么看
写生对画家耒非常重要，因为写生从风景写生静物写生和人体写生是画家从实践中来，通过创作展现出美好的东西，是画家生活中創造的未源。
为什么当代艺术家陈丹青会认为“写生与临摹有可能被当代艺术和传统艺术轻视了”
稍微思考了那么几分钟，我也认同陈丹青所说的“写生与临摹有可能被当代艺术和传统艺术轻视了”，在如此广泛的艺术领域中，没有任何一个时代是属于某个艺术家的时代，很简单的道理，因为是时代成就了艺术家，这一点艺术家比任何人都要明白，所以陈丹青说的观点绝对是站在艺术的角度来讲的，
我们都知道，写生和临摹对于绘画艺术来说是至关重要的一个环节，不管是初次绘画的人还是绘画时间很久的人都一样，艺术创作依靠的是丰富的想象力，而对事物的观察能力又决定了想象力的发挥，毫无疑问，“写生”就是艺术灵感的命脉；而“临摹”是艺术创作者提升技法最快的途径，向前辈学习可以少走弯路，
且看当代艺术的特征和风气，四个字便可以概括那就是“抽象、创新”，艺术要迎合时代的审美，这是必然性的，当代艺术发展到抽象也是必然的，没有人能够阻止哪个艺术家去大胆创新，只是会不会被人们所认可，那是另外一回事了，艺术来源于生活，有趣的是生活没有抽象，艺术又要表现的抽象，那自然就没有写生的意义咯，
然而临摹就更不用说了，在当代艺术“抽象化”潮流面前，前人的作品显的有些“自作多情”了，可想而知，一个追求创新的艺术家早已经把临摹精髓抛在九霄云外了，都想在时代潮流面前让自己的作品独树一帜，不得不感叹这种设想看起来很完美，但是结果呢？
写生和临摹也被传统艺术轻视了，这也是早就发生的事情了，或者说传统艺术根本就不存在“写生”，传统艺术是注重“写意”，艺术家外出写生，其实只是一种感受而已，国画强调的是“似与不似”，既然不讲究人物的“形象”，那么后人就认为“写生”也没意义了，只要参照着照片在家里进行创作就可以了，而且现在的传统艺术也不再传统了，
陈丹青在一次访谈中说 “我每次看到考前班的素描，我就想死”，你怎么看
当代著名学者、艺术家陈丹青先生，是一名特立独行，敢说、敢作敢为的人，他在几十年的艺术生涯里，关于艺术那些事，发表过许多振聋发聩的见解。
前些年，他写过一篇名为《中国画的没落就从素描教学开始》的文章，这篇文章发表后，一石激起千层浪，立马引起众多同行的反驳。
于是，在2015年10月18日的《收藏周刊》上，一篇名为《陈丹青：一切从素描开始，毁了国画》的文章横空出世，是美术界代表人物反击陈丹青的见证。
陈丹青在那篇文章里开门见山，直接用题目表达了自己的中心观点：中国画的没落，就是从素描教学开始。这句话也可以理解为：是素描毁了中国画。
陈丹青所说的，实际上也是这100年来美术界一直争论不休的一个问题。产生这个问题的背景是：自从100年前东西方文化交融后，素描技法被徐悲鸿（1895年——1953年）先生引入到中国画以来，到底对中国画带来了哪些影响？
素描真的对中国画一无是处吗？
要正确理解这句话，必须先从中国画和素描的本质说起。
中国画是符合中国人审美情趣的一种传统绘画种类，依靠笔墨纸砚作为绘画工具，以皴擦点染作为基本技法，强调神似，重视笔法和墨法的运用。整体来说，中国画是重在表现的视觉艺术，把气韵和意境看作首要艺术目的。
素描是西方绘画重要的造型手段，也被看作是一种单色绘画，常常把一些科学手段吸收进去，比如，焦点透视法、黄金分割法、解剖学、构图学，等等，旨在表现物象的立体感、空间感和质感。可以说，素描是西方绘画的基础，是反映画家在空间造型能力上的重要指标。若没有素描基础，肯定画不好西画。
中国画的特质注定了国画在创作时，以抒发画家的主观情趣为主，不会拘泥于表现物象的外在形体。如果把素描关系放在第一位，刻意去表现造型效果和光影关系，肯定会牺牲笔墨的作用，影响画家对笔墨趣味的自由发挥，最终会导致笔法和墨法在画面中的剥离，因为在国画作品里，笔墨始终是不可分离的，是融为一体的，只有如此，才能体现出东方式的审美情调。
实际上，早在1500多年前的南朝齐梁时期，著名画家、评论家谢赫，就总结出“谢赫六法”，为中国画的审美制定了约定俗成的法则，后人只需按照这套法则，不论是创作还是欣赏，都可以感受到中国画的趣味。
“谢赫六法”把“气韵生动”和“骨法用笔”放在前列，肯定了中国画是以气韵和用笔来展现其独特味道的，这也是中国画区别于西方绘画最根本的外在视觉感受。
气韵是指国画作品从整体上散发出来的气势和韵味，首先能从一幅山水画里看到如群山那样延绵不绝的气势，符合自然环境的地貌特征，具有深远的空间感，以及或雄伟壮阔，或幽静肃穆，或秀丽自然，或明快高旷的意境，满足这些特征，就是一幅好画。
骨法用笔是指，在画中塑造山体，石块，人物、动物，河流，瀑布，花草，树木等物象的轮廓时，通常以线条为主，要从线条里看到千姿百态的用笔方法，这些用笔方法跟书法用笔是相通的，只要这些线条耐看耐品，苍劲老辣，富于变化，在笔墨品味上就没有问题。
对人物画来说，要通过线条和笔墨的灵活运用，体现出人物内在的情感状态和精神面貌，至于造型准确与否并不是画家首要考虑的问题，体现神韵才是第一要素。
从古至今，中国画从来没有把造型看作是第一追求，把笔墨形态玩出具有音乐般的节奏韵律，抒发画家心中的意趣和情感，引发观者的审美思考，才是国画追求的。
素描是一种依托科学手段建立起来的创作方法，不但要塑造物象的完整形象，也要体现出光影明暗的对比关系，还要体现出空间的层次关系。如果中国画按照素描的要求来画，肯定要牺牲掉笔墨的趣味和线条的变化，让它们失去自由发挥的余地，最终让国画变成“四不像”。
实际上，早在康熙年间，来自意大利米兰的宫廷画师郎世宁（1688年——1766年）就这样探索过中西结合的国画，他用西方绘画的技法和技巧，驾驭笔墨纸砚来画中国画，画出的画，除过给人感觉很像、很逼真之外，并没有值得细品的地方。缺乏让欣赏者审美再创造的空间，不会引发欣赏者展开审美联想。
谈完绘画圈存在的问题后，陈丹青在文中又谈到了他对美术教育的担忧，他说：我每次看到考前班的素描，我就想死。
因为现在美术专业生要想上美术院校，不论是学习国画还是西画，被学校一刀切地把素描基本功当作一项最重要的考核内容，学生们为了通过考核，只能去培训班突击培训，把大把精力花在提升素描功底上，硬是把绘画当作一门科学或手艺来学习，陷入公式化、程式化的学习模式。
然而，绘画从来不是一门科学，中国画更是如此，如果用科学的方法学习绘画只能学成画匠。从近几届全国美展获奖作品就能看到，现在的人物画家，只会玩造型和结构，玩技巧层面的东西，而把中国画最核心的元素——笔墨趣味，忘得一干二净，压根就玩不了笔墨，最终导致中国画整体水准在下降，绘画人才后继无人。
从这个层面来讲，我非常赞成陈丹青的观点，他是一名有担当的知识分子。
陈丹青先生说中国当代艺术全是骗人的，您怎么看
加州崔三爷怎么看：
陈丹青先生这类朋友，在艺术领域过多强调“真”，把“真”绝对化，实在是脑筋太偏颇。在陈兄看来，或许不真的东西就是假，就是骗人。
我们常说，江山如画。江山是江山，画是画。为什么在赞美大好江山的时候，我们说“江山如画”？潜意识当中，画比真实的江山更美。映入眼帘的江山，宛如一幅美妙的画卷。
我们在看一幅艺术作品的时候，比如一幅画，欣赏的是它的美，而无需刻意探究其“真”。
如果探究其真，您不妨去拍个照，航拍也行，因为真实的江山，山脚下有脏水，山路旁还必须有厕所什么的，远近摆摊儿的小商贩，摊位底下还有垃圾桶。这些都是真实的存在。
艺术家在作画的时候，这些杂七杂八的东西都会被舍弃掉，只留下最养眼的美景。这种艺术作品，在陈兄这类朋友眼里，就是假，就是骗人。
再看看这个“艺”字的大篆，如图。艺是怎么来的？从园艺来的！“艺”字的大篆，左上是木，左下是土，右边是一个人在操作园艺工具。土地上刨坑儿种树，“艺”由此生。
“艺”，把杂七杂八的东西清理掉，留下最美好靓丽的部分，这就是“艺”。如果不把杂七杂八的东西清理掉，留下的倒也算是“真实”。
包括书画艺术、舞美艺术在内的所有艺术表现形式，都不是去伪存真，而是去脏留美。古代艺术如此，现代艺术亦然，当代艺术当然沿袭至今。
鲁迅先生在一篇杂文里边提到过，如果“您”一味强调“真”，而硬要画家去画字纸篓、去画大便之类的东西，那是“您”脑筋有问题。
同样的道理，舞台上的演员表演的时候，咱最好用正常心态去欣赏艺术，而不是好像发现了什么玄机似的，探索台上的演员是不是都憋着一脬尿。
陈丹青在一次访谈中说 “我每次看到考前班的素描，我就想死”，你怎么看和陈丹青不建议报美术班的问题分享结束啦，以上的文章解决了您的问题吗？欢迎您下次再来哦！
